ArteContexto // Blog

Sherrie Levine. Whitney Museum (New York)

jue, 02 feb 2012 00:00:00 +0200

El nombre de la retrospectiva de Sherrie Levine en el Whitney Museum, Mayhem (tumulto, pero también matanza execrable, carnicería) me parece perfecto. En una ciudad donde la estrategia menos sutil –como instalar toboganes cruzando las plantas de un museo (Experience, New Museum), exhibir de forma permanente un cocinero haciendo curry (Contemporary Galleries, Moma) o colgar obras en el espacio de una rotonda (Marurizio Cattelan: All, Guggenheim)– tiene como único objetivo atraer a un público agonizante tras largas colas, una exposición como esta, cargada de inesperadas referencias y de reflexiones en absoluto histriónicas, sólo puede resultar violenta.

Es ampliamente conocida la pertenencia de Sherrie Levine a la generación de apropiacionistas que desde finales de los 70 y principios de los 80 reinterpretaron los diferentes modos de entender y, sobre todo, criticar la autoría, los procesos de significación y la importancia de los contextos en la producción de sentido. Las famosas piezas After Walker Evans, After Monet o After Degas que reciben al espectador en la exposición generan ese desconcierto, si acaso ya un tanto atenuado, que acaparó la recepción de esta artista y su posterior consagración ya en los noventa. Algunas series, sin embargo, introducen nuevas ideas como las que reinterpretan a Karl Blossfeldt, aquél fotógrafo de la Nueva Objetividad que encontraba en la naturaleza la secreta lógica del arte tal y como preconizaban los diversos mitos del origen del arte que dominaban la reflexión artística de finales del siglo XIX. Una reinterpretación que cuestiona la naturalización –léase mitificación– del arte y de un sistema artístico que se acepta cortando de raíz toda posible transformación.

JAVIER CODESAL: Las estructuras elementales

jue, 19 ene 2012 00:00:00 +0200

Casi trece años después de su última exposición individual en Madrid, en el Espacio Uno del Reina Sofía, Javier Codesal inaugura ahora la nueva sede de Casa sin Fin en la capital, el espacio galerístico ideado y regido por Julián Rodríguez, ya operativo desde hace un tiempo en Cáceres. Pero al igual que Casa sin Fin no es ni pretende ser una galería de arte al uso, pues su función e ideario van más encaminados a una interrelación productiva, y generadora de diferentes proyectos con nuevos parámetros estéticos, entre artes plásticas, literatura y poesía, tampoco la obra de Javier Codesal podemos situarla en un limpio y delimitado campo operativo, dado que si hay un argumento esencial que definiría su discurso estético no sería otro que el desbordamiento de los cauces propios de disciplinas creativas diversas, y con ello la creación de un territorio (muy singular, reconocible y auténtico, pero sobre todas las cosas honesto) donde la poesía, en su sentido clásico, puede ser el prólogo o epílogo de una película sin filiación aparente con respecto a esa misma poesía, pero a ella encadenada con hierros tan invisibles como secreta y profunda la razón de existencia de esos mismos hierros; pero igualmente el discurso fotográfico que el artista produce puede erigirse en documento estático, representativo o no, de una tan densa como refinada disertación, escrita u oral, de teoría cinematográfica, al igual que la mayor parte de los vídeos realizados son una forma otra, visualidad en movimiento, de proyectar la poesía en el espacio.

La Quema del Diablo, un proyecto de Diablo Rosso en Proyecto Ultravioleta

jue, 12 ene 2012 00:00:00 +0200

En el ámbito centroamericano la escena artística guatemalteca siempre ha sido la más conectada con la modernidad y la más vital, tanto en el plano de la producción como en el de la crítica y la teoría, además de contar con un cierto coleccionismo privado y una red de galerías localizada en la capital. Pero como ocurre en general en Centroamérica y el Caribe, la ausencia de instancias institucionales de peso o de museos, ha propiciado la creación de espacios independientes, impulsados muchas veces por artistas en estrecha colaboración y participación con críticos y otros agentes culturales, que se sitúan entre el modelo de la galería comercial, el espacio de producción que facilita el trabajo en colectivo, el espacio de actividades dirigido a la formación, el laboratorio de ideas o la plataforma de discusión y acción artística. Casa Noj, en Quetzaltenango (Guatemala), es un caso muy ilustrativo de como son los métodos y la dinámica en las políticas culturales en cuatro tiempos: 1) las autoridades municipales de esta ciudad del altiplano guatemalteco ceden el espacio municipal de Casa Noj a un colectivo de artistas para su gestión y programación, 2) el colectivo consigue financiación de agencias de cooperación internacionales, entre ellas también de la Cooperación Española, 3) la municipalidad procede al despido y desalojo del colectivo para aprovechar estos fondos, y 4) este colectivo refunda el proyecto cultural en un espacio de alquiler en el centro de la ciudad, como Ciudad de la Imaginación, y arrastra también los apoyos financieros de Hivos. Actualmente desarrollan el proyecto Pasaporte a la cultura que tiende a abrir el ámbito cultural subrayando actividades formativas en una provincia con una fuerte conciencia identitaria. En ocasiones como esta la acción cultural parece desarrollarse a contracorriente de la rapacidad institucional. En Ciudad de Guatemala, Ultravioleta, es un espacio intermedio que se plantea como una plataforma multidisciplinar, dedicado a la experimentación, fundado en 2009 por los artistas Stefan Benchoam y Byron Mármol en asociación con el crítico y comisario independiente Emiliano Valdés. Situado en el edificio del mítico Cine Lux del centro de la ciudad, su programación ha estado siempre atenta a los artistas emergentes que no suelen encontrar espacio en las galerías con un perfil más tradicional de mercado, pero también y sobre todo ha propiciado debates, presentaciones de proyectos y trabajos de artistas tanto locales como extranjeros (en programas titulados gráficamente como "blablabla") en los que han participado el mexicano Carlos Amorales o la guatemalteca Yasmine Hage.

Entrevista a Manuel Ortuño. Presidente de la Asociación de Revistas Culturales de España (ARCE).

mar, 03 ene 2012 00:00:00 +0200

¿Cree que la función que desempeñan las revistas culturales está suficientemente valorada en nuestro país?
La función que desempeñan las revistas culturales es muy valorada por quien las conoce, personas e instituciones. Diría que la cuestión no es tanto de valoración como de conocimiento y proyección pública.
Es necesario un esfuerzo mayor para dar a conocer mejor los proyectos e iniciativas que representan estas publicaciones entre nuevos lectores e instituciones del ámbito cultural, con especial incidencia entre los jóvenes y estudiantes.
No es baladí insistir en que hoy la reflexión y el debate de ideas, los espacios para los nuevos movimientos culturales y artísticos, la atención a los nuevos creadores, el altavoz de nuevas propuestas y formulaciones, se da en las revistas culturales.

¿Cree que se les apoya desde las administraciones públicas en igual medida que, pongamos por caso, a los diarios?
Las administraciones públicas deberían contar con un plan meditado y con criterios claros, coherentes y sistemáticos de apoyo a las revistas culturales –que no necesariamente deben pasar siempre por la subvención económica– que contrarresten las derivaciones exclusivamente de mercado y promuevan la pluralidad de reflexiones y propuestas culturales e intelectuales.
La administración pública central, en el caso de las revistas culturales, adquiere suscripciones a las mismas para dotar de contenidos culturales de calidad a las bibliotecas públicas, de lo que se benefician, por supuesto, las revistas culturales, pero también los ciudadanos que acceden a estas publicaciones, así como las bibliotecas que incrementan la pluralidad y diversidad de los fondos con que cuentan. Es la única medida de apoyo público que existe actualmente desde la administración central.
En el caso de la Generalitat de Catalunya, existe un ambicioso programa de ayudas a las publicaciones solo en catalán, consistentes en apoyos a la edición en esa lengua a través de subvenciones y apoyos a las tarifas de suscripción que realizan los ciudadanos a esas publicaciones.
La administración pública debería de incorporar a los promotores y editores de las revistas culturales en sus estrategias de política cultural en general, incorporándolas como lo que son: un escaparate vivo de lo más dinámico de la actividad cultural y creadora de nuestro país.
También sería necesario un más equitativo reparto de la publicidad institucional. Se prima a los medios generalistas frente a las publicaciones especializadas que suelen ser, y en gran medida, mucho más rigurosas en sus análisis.

¿Cuáles son los principales problemas con los que se encuentran las revistas culturales?
Los principales problemas no son muy distintos de los que puedan darse en otros sectores de la creación y la industria cultural. Financiación y distribución son cuestiones recurrentes, pero presentes, que se manifiestan en los distintos contextos.
Por otro lado, los índices de lectura en nuestro país son inferiores a los de otros países de nuestro entorno, y ahí la labor educativa desde el ámbito institucional resulta esencial. Otro factor que nos distingue de países vecinos es el escaso hábito de suscribirse y recibir en casa las publicaciones que realmente interesan, una relación directa entre el lector y la revista que evita la intermediación de las distribuidoras, que no siempre aciertan a la hora de valorar los puntos de venta más adecuados para la revista especializada. Hay que añadir que ell lugar natural de las revistas culturales es la librería, ya que el quisco de prensa siempre primará, en su reducido espacio, a las publicaciones de mayor venta. ARCE está trabajando muy activamente con las librerías para que el lector pueda hacer también su suscripción a través de ellas, y sea éste el punto de recepción en el caso de que encuentre problemático recibirla en su propio buzón.
Volviendo a los problemas que compartimos con el sector del libro y la edición (cambios en los modelos de difusión y distribución, deterioro de la red de librerías independientes y menor espacio de exhibición, el incremento desmedido de los costes de correos y envíos, la brutal caída de la publicidad…) hay que añadir los que son propios de unas iniciativas que priman los contenidos, la reflexión, la nueva creación, la calidad del producto, por encima de la generación de modelos de negocio rentables.

¿Cómo está afectando la crisis a este sector?
La crisis económica está afectando en todas las fases de la vida de las iniciativas de contenidos culturales de calidad que son nuestras publicaciones: desde la concepción hasta los distintos procesos de edición y difusión de las mismas.
Sin embargo, las revistas culturales, en el soporte que sea, son por su propia naturaleza proyectos débiles económicamente pero muy flexibles, con una capacidad de adaptación importante y un alto nivel de resistencia gracias, fundamentalmente, a la fidelidad de sus lectores y seguidores.
Y son capaces de mantener, precisamente por ello, unos contenidos de calidad que marcan la diferencia con la insustancia generalizada de otros medios.

¿Cómo ve la competencia que ejercen las revistas de instituciones públicas (museos, fundaciones, ferias, etc.) respecto a las revistas impulsadas desde la iniciativa privada?
Desde la convicción de que los poderes públicos tienen una responsabilidad ineludible en el sector de la cultura.
Ahora bien, me parece que la administración pública en general, y sus diferentes organismos autónomos, no deberían de “invadir” con recursos públicos aquellos campos ya cubiertos de buena forma por las iniciativas de la sociedad civil. El caso de las revistas institucionales en el ámbito de la cultura es paradigmático, pues compiten, desde los recursos públicos además, en la captación de autores, publicidad pública y privada…
Ahora bien, quizás la distinción deba partir fundamentalmente de los contenidos, de objetivos de un proyecto cultural, de calidad, de análisis y reflexión frente a boletines a veces puramente informativos o guías del ocio ilustradas.

¿Piensa que Internet acabará con las revistas en papel o que hay espacio para la coexistencia de ambos medios?
Las revistas culturales han dado, en estos últimos años, un salto muy importante hacia el ámbito digital y la utilización de estas tecnologías, superando definitivamente la idea del asesinato del papel a manos de otras herramientas tecnológicas. La idea es, más bien, la complementariedad, la de dos espacios diferentes que pueden enriquecerse en función de los distintos proyectos.
Tenemos por delante muchas incertidumbres de todo tipo: desde nuevos modelos de desarrollo de nuestra actividad, pasando por la resolución de cuestiones de tipo técnico en lo que se refiere a formatos, plataformas de distribución, etc.
Estoy convencido que empiezan a primar los contenidos por encima de los soportes, y quienes editan y difunden contenidos de calidad cultural están en una situación inmejorable para utilizar todos los canales a su disposición. Sobre todo en un entorno en el que la rapidez y abundancia de información va a requerir, más que nunca, de intermediarios independientes, reconocibles, “banqueros simbólicos” (Pierre Bourdieu) de referencia.
Las revistas culturales, en todos los soportes, son imprescindibles para sostener una diversidad de propuestas, información y contenidos culturales.

Estilo Indirecto. Fundació Foto Colectania, Barcelona.

jue, 22 dic 2011 00:00:00 +0200

Con Indirect Style, una muestra de 8 artistas contemporáneos que utilizan el formato fotográfico, las utopías olvidadas, perdidas o fracasadas del pasado se arrastran de nuevo al presente. Lo hacen de forma indirecta, ya que, como sugiere el comisario Martí Perán, un estilo directo obligaría a los protagonistas de la historia a hablar con sus propias voces, y a describir sus propias experiencias, mientras que un estilo indirecto funciona de forma más sutil. El estilo directo nos confronta con una cara, con una historia en primera persona. Sin embargo, como propone Perán, esta combinación tan seductora conlleva una limitación: como los testigos están encerrados en el tiempo, nunca pueden repetirse, dando lugar a un verdadero punto y final. No nos pueden acompañar hacia el futuro.

El estilo indirecto, por otro lado, depende de la capacidad interpretativa del narrador, que observa, recopila y organiza los restos fragmentados de la historia. La fotografía, ya sea como un documento del pasado o una herramienta del futuro, juega el papel de vehículo. A través de una metáfora muy certera, Peran nos remite a los “pasos anticipatorios” de Ernst Bloch (Bloch habló de la “conciencia anticipatoria” en El principio de la esperanza, una obra que inspira nociones de reconstrucción utópica). Las marcas perdidas de ayer, los pedazos rotos del deseo humano, que esperan a que los recojamos.

Le quattro volte

jue, 15 dic 2011 00:00:00 +0200

Director: Michelangelo Frammartino
Año: 2010

Reza una cita del New York Times incluida en el cartel de Le quattro volte (2010) que la película de Michelangelo Frammartino “reinventa el acto mismo de la percepción”. Hoy en día, la conexión intelectual y emocional con la trama y los personajes que conforman el cine narrativo al uso puede llegar a calar por igual en un erudito multidisciplinar y en un aficionado ocioso. Queda, no obstante, un reducto de cinematografía supuestamente elitista a la que los aficionados a las buenas historias y a la construcción de tipos humanos memorables también deberían (deberíamos) acudir.

Esta película pertenece a ese “otro cine” peyorativamente etiquetado como “de museo”, cine que ayuda a limpiar la mirada, afinar el oído (no hay diálogos ni música, pero sí mucha vida sonora) y reeducar el cerebro; un cerebro hoy tan esclavizado por la sobre estimulación y la necesidad imperante de obtener información “ya masticada y preparada” (constante, unidireccional, obvia) a través de los medios.

Keith Rowe. Concentration Of The Stare

jue, 01 dic 2011 00:00:00 +0200

La historia de la modernidad artística podría escribirse como la peculiar relación entre música y pintura. Dicha relación ha tenido que ver con el proceso hacia la abstracción, donde la pintura trataba de seguir a la música como la más “abstracta” de las artes, un ideal al que se debía tender. Esto se hizo explícito en textos de Kandinsky o Klee, y en los títulos de muchas pinturas o esculturas de la modernidad, como composición, sonata, sinfonía, etc.

Andando el tiempo, la pintura se había liberado casi totalmente de la representación y entonces fue la música, atrapada en el sentimentalismo y la descripción del romanticismo la que buscaba ejemplos externos que emular. Y en esto llegó una parte de la escuela de Nueva York trayendo las pinturas inexpresivas de un Barnett Newman y, sobre todo, de un Mark Rothko. Por otro lado, la música contemporánea americana se estaba sacudiendo los dictados del dodecafonismo y el serialismo y acabó dando, entre otros, con Morton Feldman.

APROXIMACIONES I Colección Helga de Alvear

mar, 22 nov 2011 00:00:00 +0200

Seleccionar obras específicas de una determinada colección lleva consigo otra subjetividad (mirada diversa) y otra pasión (diferente narratividad visual) a esos mismos elementos constituyentes –subjetividad y pasión– implícitos en la formación de toda colección de arte. O lo que es lo mismo: separar (crear) una nueva constelación desgajada de otra constelación mayor. La Colección Helga de Alvear es una de las mayores colecciones de arte contemporáneo de Europa y, a su vez, en ella coexiste una de las mejores colecciones de arte español realizado durante los últimos cuarenta años. Con el título de Aproximaciones I Rafael Doctor ha comisariado, en el Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear de la ciudad de Cáceres, un primer acercamiento (seguirán en el futuro nuevas aproximaciones o pesquisas) al arte contemporáneo español, que abarca un arco temporal que va desde finales de la dictadura hasta el presente, siendo, en artistas y obras, mayor y mejor la colección según nos acercamos a nuestros días.

GUSTAVO MARRONE. No apagar la luz.

jue, 10 nov 2011 00:00:00 +0200

No apagar la luz es el título de un libro, o de un diario, o de un libro de artista; pero también es el rótulo bajo el cual queda enmarcada una exposición en la cual, de una forma expandida, se dilata el concepto mismo de “exposición” en un determinado centro de arte. El que esta reseña que ahora estamos escribiendo aparezca en la sección “Libros” debería ayudarnos, o situarnos, a leerla con un ojo puesto en los parámetros propios de una crítica de exposición (o casi, o por exceso en su función), y con otro enfocando esa misma cuantificación de lo observado en tanto que acción dramática (artística) condensada en un objeto al que, por comodidad filológica, convendremos en llamar Libro (o casi, o por exceso en su función, igualmente). Para simplificar las cosas: No apagar la luz debería verse y leerse bajo ambos presupuestos, pues en ambos estadios podemos encontrar la llave que nos de acceso a una de las producciones artísticas más coherentes, singulares, lúcidas e inteligentemente emotivas que se han desarrollado en España durante los últimos veinte años. Su autor es Gustavo Marrone (Buenos Aires, 1962).

Alighiero Boetti. Estrategia de juego

jue, 03 nov 2011 00:00:00 +0200

Desde los años 90 la crítica al relato de la historia del arte del siglo XX, en la versión canónica implantada desde los Estados Unidos, ha abierto múltiples líneas de investigación que han tratado de corregir, completar y diversificar la perspectiva historiográfica hacia una lectura más compleja y menos lineal. El resultado ha incidido en la apertura inclusiva de discursos feministas, postcoloniales, multiculturales y de género, en la reconsideración de figuras y movimientos de las escenas artísticas latinoamericanas o de Europa oriental, pero también de personalidades marginales o subalternas que han desarrollado su trabajo en los centros hegemónicos como Gordon Matta-Clark o Louise Bourgeois. Esta operación de relectura ha sido llevada a cabo de una manera muy pertinente y sistemática por el MNCARS en los últimos años, y en esa perspectiva hay que inscribir la exposición de Alighiero Boetti, comisariada por Lynne Cooke, Christian Rattemeyer y Mark Godfrey, en coproducción con Tate Modern de Londres y el MoMA de Nueva York, lo que subraya el consenso sobre la necesidad de revisión de la historia en la actualidad.