Revista digital de cultura
y arte contemporáneo

NOTICIAS

Arte 16/10/2016
XX Certamen de Pintura Ciudad de Antequera
Noticias

La Comunidad de Propietarios del Polígono Industrial de Antequera es una asociación de empresarios que colabora con la cultura en su ciudad y desde hace veinte años convoca el Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Antequera.

En sus orígenes este galardón se reducía al ámbito comarcal, pero dado el interés que suscitó, la convocatoria se abrió en el año 2000 a todos los artistas naturales y/o residentes en España.

La dotación de su primer premio es de 6.000 euros y las obras seleccionadas se exhibirán durante casi un mes en la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera. Este espacio se ubica en la remodelada farmacia del edificio municipal del antiguo Hospital San Juan de Dios y acogerá la mayor parte de la colección de arte de esta Comunidad de Propietarios, formada por las obras ganadoras de éste y anteriores certámenes.

Este año, como novedad, se incrementa la cuantía del segundo y el tercer premio.

Bases:

1.- Podrán participar todos los naturales y/o residentes en España.

2.- Las obras se presentarán no enmarcadas, y con la pintura seca para evitar posibles deterioros.
3.- La temática de las obras será ANDALUCÍA: PAISAJES, LUGARES Y RINCONES y la técnica libre.
4.- Las obras se presentarán sin firmar y acompañadas de dos sobres cerrados. En uno de ellos se hará constar los datos del autor y los títulos de las obras, así como el lugar al que hace referencia; en el otro, y en caso de que el autor esté interesado en su venta, se incluirá la tasación que el propio autor haga de sus obras, cuya gestión correrá por cuenta exclusiva del mismo.

5.- Cada participante podrá presentar un máximo de DOS OBRAS.

6.- Con las obras que hayan sido previamente seleccionadas por el jurado, se montará una exposición en la PINACOTECA ANDALUZA CIUDAD DE ANTEQUERA, situada en calle Infante D. Fernando nº67 (antiguo Hospital San Juan de Dios), teniendo lugar la Inauguración y Entrega de Premios el día 17 de Diciembre de 2016 a las 20:30 horas, y clausurándose dicha Exposición el día 8 de Enero de 2017. Asímismo todas las obras podrán ser visitadas a través de la dirección de internet www.antequeravirtual.com.

7.- Las obras serán depositadas entre los días 21 al 25 de Noviembre, en la PINACOTECA ANDALUZA CIUDAD DE ANTEQUERA, en calle Infante D. Fernando nº67 (antiguo Hospital San Juan de Dios) teléfono 952 70 19 93 en horario de 10:00h a 14:00h; los autores se responsabilizarán de la entrega y recogida de las mismas.

8.- Las obras podrán ser retiradas desde el día 9 al 13 de Enero de 2017 en la PINACOTECA ANDALUZA CIUDAD DE ANTEQUERA en horario de 10:00h. a 14:00h; aquellas obras que no hayan sido retiradas en dichas fechas, pasarán a propiedad de la Comunidad de Propietarios del Polígono Industrial de Antequera.

9.- Las obras que resulten con el PRIMERO, SEGUNDO Y TERCER premio pasarán a propiedad de la organización y el ganador del primer premio autoriza para que su obra forme parte del cartel anunciador del siguiente certamen.

10.- El jurado estará formado por personas de reconocido prestigio relacionadas con el arte, que dictaminarán las pinturas ganadoras de los distintos premios, quedando establecidos los mismos de la siguiente manera:

PRIMER PREMIO ........................................ 5.000€

PREMIO ESPECIAL Excmo. Ayuntamiento a la difusión cultural
(a la obra ganadora del 1º premio) ............. 1.000€

SEGUNDO PREMIO .................................... 2.500€

TERCER PREMIO ........................................ 1.500€

CUARTO PREMIO ............ PLACA CONMEMORATIVA

QUINTO PREMIO ............ PLACA CONMEMORATIVA

TODOS LOS CONCURSANTES NO PREMIADOS TENDRÁN
UN DIPLOMA ACREDITATIVO DE SU PARTICIPACIÓN

11.- Una vez conocido el fallo del jurado, ningún autor podrá obtener más de un premio en este certamen.

12.- Los premios podrán quedar desiertos si el jurado considera que las obras presentadas no tienen la calidad y temática requerida.

13.- La organización, durante la exposición, hará público autor y título de la obra, así como la tasación de la misma, de acuerdo con el punto 4 de estas bases, quedando excluidas las obras ganadoras de los tres primeros premios, al pasar a propiedad de la Comunidad de Propietarios.

14.- Salvo las obras entregadas en el domicilio elegido por la organización, las restantes serán enviadas por cuenta y riesgo de sus autores, a portes pagados y con embalaje reutilizable (material rígido, ej. madera) o suficientemente sólido para que su posterior devolución asegure su integridad. La organización no se resposabiliza del deterioro de las obras por embalaje inadecuado. Los seguros que quieran efectuarse, serán por cuenta de cada uno de los participantes.

La organización pondrá el máximo celo en el cuidado de las obras recibidas, pero declina toda responsabilidad por extravíos, daños, robos o cualquier otro acto ajeno a su voluntad que se pueda producir durante su transporte, recepción, depósito, exhibición o devolución.

15.- TODOS LOS CONCURSANTES CONOCERÁN ESTAS BASES Y EL HECHO DE CONCURSAR CONLLEVA IMPLÍCITO LA TOTAL ACEPTACIÓN DE LAS MISMAS.

16.- La organización se reserva el poder modificar estas bases sin previo aviso, así como el poder anular el certamen en el supuesto de que no concurrieran un mínimo de concursantes.

17.- Los concursantes, si fuera necesario, se someterán a la jurisdicción de los tribunales de Antequera. 

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Arte 13/10/2016
"Las ahijadas" en el Observatori de Es Baluard
Noticias

El Observatori de Es Baluard presenta el proyecto “Las ahijadas”, un trabajo en proceso del investigador y artista William James, que se vehicula en primera instancia en forma de instalación audiovisual basada en una amplia búsqueda documental donde se confrontan dos historias apenas registradas. Para ello, se utilizan la grabación en video, los testimonios orales y de archivos a partir de los lugares que sirvieron de referencia y escenario para el tránsito de dos seres excepcionales: Natacha Rambova y Natacha Rampova.

Natacha Rambova nació en 1897 en Salt Lake City, Utah,y murió en Pasadena, California, en 1966. Fue bailarina de ballet, diseñadora de vestuario y decorados en el Hollywood de los años 20, segunda esposa de Rudolph Valentino y, más tarde, testigo observador del estallido de la Guerra Civil en Mallorca, donde vivió entre los años 1931 a1936.

Natacha Rampova nació en Valencia en 1956. Artista de cabaret transgénero y activista pre-queer, tomó su alias de Natacha Rambova, imitando el estilo exótico de sus diseños para el espectáculo y en sus vestuarios. Encarcelada bajo la ley de peligrosidad social tres veces, entre 1971 y 1974, su lucha política y social forma parte de la historia de la transición a la democracia, cuando los abanderados de los estilos de vida y las sexualidades alternativos previamente marginados lucharon para encontrar sus múltiples voces y sus formas de auto-expresión, y así consolidar su presencia como parte de la nueva sociedad española. Una lucha que aún sigue.

“Las ahijadas” las vincula a través de una simetría histórica –el antes y el después de la dictadura franquista– y la mitificación de la original Rambova por parte de su álter ego.

William James: Creador británico, afincado en Valencia. Su trabajo se basa en la investigación documental y se plasma en instalaciones concebidas para contextos y espacios específicos, con las cuales se plantea a menudo una reflexión sobre las relaciones complejas entre la construcción del género y la construcción del espacio urbano (véase The Gendered City).

De esta manera, James contempla nuestras relaciones con el entorno (socio-político, espacial y de género); en parte lo construimos nosotros, y en parte nos construye. Algo esencial en épocas de cambio drástico –como afirma “Las ahijadas”– cuando lo personal no puede ser otra cosa que político.

“Las ahijadas” es un proyecto en Es Baluard que se presentará también en Valencia del 28 de octubre al 11 de diciembre, en colaboración con el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana (Centro del Carmen). Ésta es la primera colaboración entre ambas instituciones. 

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Arte 07/10/2016
Ximo Berenguer en Espai Visor
Noticias

La Galería Espai Visor acoge la exposición A chupar del bote. Fotografías 1974-76 de Ximo Berenguer.

La historia de la fotografía sigue deparando sorpresas. Cuando creemos tenerlo todo bien cuadrado surge el archivo de un humilde jardinero (Charles Jones) que demostró su amor a las flores que cultivaba para un lord inglés en magníficas e ignoradas fotografías, o el descubrimiento de una niñera excéntrica (Vivian Maier) que expandió calladamente nuestra noción de street photography. Sin pretender cotejarlo a esos casos célebres, toca ahora recabar el reconocimiento que merece la figura de Ximo Berenguer (1946–1978), prácticamente olvidada desde su temprana desaparición y solo recuperada recientemente merced a azarosas circunstancias.

Joven fotógrafo valenciano que frecuentó los cenáculos amateurs locales de su época, el talento soterrado de Ximo Berenguer empezó a despuntar al instalarse en Barcelona en 1966 a fin de iniciar estudios de fotografía en la Escuela Industrial. Abandonó entonces la estética del salonismo para adoptar un reportaje directo y descarnado. Admirador tanto de Cartier-Bresson y Brassaï, cuya obra descubrió en la biblioteca de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, como de algunos heterodoxos surgidos de esa entidad como Miserachs, Maspons o Colom, Berenguer se propuso erigirse en testigo gráfico de la conflictiva efervescencia social que agitaba el país. Sus imágenes pasaron entonces a “rehuir todo sentimentalismo superfluo para atrapar el alma fugaz de la historia”, según palabras de Josep Mª Casademont, director de la revista “Imagen y Sonido” y uno de sus más incondicionales mentores. El grupo AFAL y sobre todo Leopoldo Pomés –cuyo libro Les fenêtresactuó de revulsivo– constituyeron otras referencias claves: tanto fue así que a principios de 1973 el joven Berenguer se armó de valor, reunió un puñado de sus fotografías que consideraba “modernas” y fue a enseñárselas a su ídolo con ánimo de ganarse una plaza en su estudio como aprendiz. Con su primer sueldo se compraría la cámara Pentax SL que utilizó hasta el final de su vida.

En esa época se vinculó a los activos ambientes noctámbulos y contraculturales de la ciudad. Su espíritu contestatario y su condición homosexual le llevaron a congeniar con el grupo de los Ocaña, Nazario, Picarol, Mariscal, los hermanos Farriol y tantos otros protagonistas del underground barcelonés. Berenguer no vivió esa adscripción como una “militancia” sino como una relación de camaradería espontánea al compartir tugurios y marginalidad, que sin duda propulsaría la radicalidad de sus propuestas. El espíritu lumpen y libertario del grupo contrastaría con el glamour burgués de la gauche divine, hegemónica entonces como inteligencia local: sin ningún tipo de amarras, Berenguer y sus amigos solo aspiraban a la supervivencia y a la libertad.

El corpus del legado fotográfico de Berenguer que se ha recuperado es reducido, unos quince mil negativos y trescientos tirajes de época en diferentes formatos. Aquí se presenta una selección del trabajo realizado en el famoso music hall “El Molino” a mitad de los 70’s. En 1975 Berenguer inició una relación con el bailarín cubano Negrito Poli, que había sido contratado como coreógrafo de “El Molino”. Por medio de ese contacto Berenguer pudo realizar una inmersión fotográfica en el universo particular de ese teatro de variedades, gozando de total acceso al local y de la intimidad con sus protagonistas. Casademont le alentó a acometer un reportaje en profundidad que le permitiera presentar una maqueta de libro para la colección “Palabra e Imagen” de Lumen, por la que ya habían transitado Masats, Ontañón, Maspons+Ubiña, Colita, etc.

Las fotografías fueron realizadas mientras la compañía representaba la obra “A chupar del bote” y efectuaba los ensayos del que sería el siguiente espectáculo, “Taxi al Molino”. Como era preceptivo en el teatro de variedades, el espectáculo se componía de una sucesión de números que indefectiblemente hacia desfilar a cantantes folclóricas, ilusionistas, cómicos, bailarinas burlesque, striptease, etc. aunque siempre el plato fuerte lo constituía la interacción entre los actores y el público, que se deleitaban enzarzándose en diálogos picantes. Muchas representaciones satirizaban situaciones de la actualidad y el espectáculo terminaba con el apoteosis de toda la compañía sobre el escenario rindiendo pleitesía a las vedettes ataviadas con sus plumas y trajes de lentejuelas, y todos cantando “A chupar del bote / hasta que se agote / a chupar del bote / es lo mejor…” Una alusión a la corrupción que sigue bien vigente hoy en la letra de esa canción. De hecho, lo que interesaba a Berenguer era que El Molino debía verse, por un lado, como un espejo de la transición política: en los palcos departían empresarios e intelectuales, hombres del régimen y líderes obreros, agentes de paisano y universitarios, y todos ellos se burlaban juntos de esto y de lo otro, como de los males de la burocracia o de la incompetencia de la Administración. Por otro lado, El Molino constituía un refugio de seguridad en el que la vida exterior se concedía una tregua: a menudo mientras la platea estallaba en risas resonaban no muy lejos las consignas coreadas por los manifestantes o las sirenas de los furgones policiales que evidenciaban el cambio que se estaba precipitando.

Las fotografías de Berenguer devienen así rebanadas de vida, retratos de personajes entrañables como Johnson, La Maña, Christa Leem, Piper o Yvette René, salpicados con graffitis políticos reivindicando amnistía y estatuto de autonomía; instantáneas de una alegría contagiosa tamizada de humo y alcohol pero que vislumbran en el horizonte avisos de tragedia. Este proyecto documental es penetrante, intenso, visceral, no sale de los ojos sino de las entrañas. Se podría hablar de las composiciones y del tratamiento de la luz, del sentido de la oportunidad, de la capacidad para describir una atmósfera o captar un clímax… pero por encima de todo la obra de Ximo Berenguer nos remite a la lucidez de Alfred Stieglitz cuando tuvo que explicar lo obvio y consignar que por encima de todo "cuando hago una fotografía, es como si hiciera el amor". Por imperativo del destino Berenguer lo hizo en un tiempo breve y lo hizo dos veces bueno. 

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