Viernes, 25/07/2014
NOTICIAS de cultura y arte contemporáneo nacional e internacional
Arte
Gráfica comprometida en la Central de diseño de Matadero Madrid
25/07/2014

 La Central de diseño de Matadero Madrid acoge la exposición Agitadores de Conciencia. Gráfica Comprometida, donde se muestra diseño activista político y social y cuya única función es hacer entender que el diseño gráfico es algo más que un generador de productos y una escusa para “hacer cosas más bonitas”. Una idea que tradicionalmente se ha visto reforzada, sobre todo a partir de los años ’80, que todo objeto de “diseño” es un producto de lujo y en buena medida elitista, y menos frecuente asociarlo con aquello que aporta un valor añadido más allá de su función meramente estética.

En las imágenes que se muestran en esta exposición hay un aspecto muy interesante para analizar y es que cada una de ellas se presenta de manera difícilmente neutral o “apolítica” pues su fuerza y su discurso gráfico está justamente en ello, en la capacidad de evocar y de propiciar que la gente piense, y si es posible, que actúe.

Agitadores de Conciencia. Gráfica Comprometida, es una exposición que está constituida por casi 200 carteles de sesenta diseñadores de más de 30 países, una pequeña muestra del trabajo de recopilación del proyecto de gráfica reivindicativa que se gestó en el 2008 en el seno de la Escuela de Arte y Superior de Diseño “Fernando Estévez” de Tenerife dentro de los contenidos desarrollados en la formación del diseñador gráfico e incluido posteriormente en la celebración del 25 aniversario de la creación de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo en Tenerife, y cuyo propósito ha sido desde un principio, que los futuros profesionales se hagan preguntas sobre cuáles han de ser los límites y las competencias de la profesión, o sobre cuál es nuestra capacidad de incidir en la realidad cotidiana, esa que nos aborda, nos influye y nos determina, buscando un delicado equilibrio que se ha de mantener entre la seducción y la alienación de los mensajes.

 

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Arte
Exposición de Joan Miró en Santiago de Chile
25/07/2014

A partir del 31 de julio, la Fundació Joan Miró traslada setenta obras de su fondo a Santiago de Chile para la exposición que inaugura el nuevo Centro Cultural de la Fundación CorpArtes en la capital chilena.

Joan Miró. La fuerza de la materia gira en torno al interés de Miró por la materia, que le sirvió tanto para aprender nuevas técnicas como para llegar a la pureza del arte. Bajo la dirección de Rosa Maria Malet, la Fundació Joan Miró organiza esta exposición, que reúne pinturas sobre tela, papel y otros soportes, esculturas y obra gráfica realizadas entre los años 1931 y 1981.

La exposición se organiza en cuatro salas. En la primera, se exponen trabajos realizados entre 1931 y 1944, en los que Joan Miró utiliza todo tipo de superficies y procedimientos para ir más allá de la pintura. El artista se limita a trabajar en formatos muy pequeños, en un período creativo marcado por el drama de la guerra.

El traslado de Joan Miró, en 1956, a Palma de Mallorca, donde su amigo, el arquitecto Josep Lluís Sert, le diseña un taller, es el punto de partida de las obras expuestas en la segunda sala. En la madurez de su carrera, el artista experimenta hasta dónde puede llegar la materia en varios soportes, como tela, papel o cartón. En aquellos años Miró da inicio a su obra escultórica a partir de objetos populares.

La tercera sala muestra la experimentación matérica de Joan Miró en la década de los setenta. A los ochenta años, el artista repinta sus obras, las quema o las agujerea para eliminar de la pintura todo lo que tiene de pintura. Miró trabaja con varios soportes, desde madera hasta papel, para cuestionar el sentido final de la pintura y salvando cualquier limitación técnica. Destruyendo y creando a la vez, el artista provoca al espectador y cuestiona el valor económico de la obra de arte.

La última sala de la exposición se dedica al interés del artista por otras técnicas, como la escultura, el tapiz o la obra gráfica, que le permiten seguir con su experimentación y colaborar con artesanos. Joan Miró desafía la técnica buscando la libertad de expresión que ha conseguido con la pintura. Destacan sus trabajos con carborundo, que le permite enriquecer la materia y potenciar el trazo de sus grabados. 

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Arte
Ciclo audiovisual "Seducción y resistencia. En los límites del pop" en el MNCARS
25/07/2014

El Museo Reina Sofía ofrecerá durante el mes de agosto un ciclo audiovisual titulado Seducción y resistencia. En los límites del pop, coincidiendo con la amplia retrospectiva sobre Richard Hamilton, que se puede ver el Museo hasta el próximo 13 de octubre. Comisariado por Juan Antonio Suárez, el ciclo está estructurado de forma cronológica y abarca desde mediados de los años cincuenta hasta finales de los setenta, es decir, desde los años en que se fragua el arte pop hasta el ocaso del punk.

Seducción y resistencia comienza con varios documentales realizados por directores vinculados al Free Cinema británico (Karel Reisz y Tony Richardson) y por dos colaboradores del British Film Institute (Alan Tanner y Claude Goretta). Estas películas tratan la ubicuidad de la imagen publicitaria y el ascenso de las culturas juveniles, en forma de música de jazz, rock ‘n’ roll y clubs de baile.

Otros aspectos que abordará el ciclo son el underground estadounidense de Andy Warhol y de los hermanos Kuchar, interesados en subvertir la iconografía y las estructuras narrativas del cine de consumo; los collages fílmicos del canadiense Arthur Lipsett y los estadounidenses Bruce Conner y Stan Vanderbeek; y la sátira de Jean-Luc Godard sobre las transformaciones de la intimidad y el espacio privado promovidas por la tecnologización del hogar.

El ciclo explora varias claves del universo pop, como el estrellato analizado desde una perspectiva más sombría a la que nos tiene acostumbrados. Así nos lo muestran Robert Frank y Daniel Seymour en Cocksucker Blues, un descarnado retrato de los Rolling Stones durante su gira norteamericana de 1973. Mezclando referencias históricas con una feroz mirada a la Inglaterra en crisis de mediados de los setenta, Jubilee, de Derek Jarman, reflexiona sobre la capacidad de las subculturas alternativas de articular una crítica radical desde plataformas populares. La última sesión gira en torno a otra de las obsesiones del pop: la televisión, pero apareciendo dentro de este programa como un medio menos democratizador de la imagen que hasta ahora se tenía de este objeto de consumo.

Como explica el comisario de Seducción y resistencia. En los límites del pop, Juan Antonio Suárez, a menudo se repite que el agotamiento del expresionismo abstracto norteamericano dio a lugar a un arte objetivo, figurativo y abierto a lo cotidiano y popular, que con frecuencia utilizó técnicas de reproducción mecánica y materiales industriales (como la pintura acrílica, la serigrafía, la serie fotográfica, el ready-made masivo), y que indagó en la iconografía de la publicidad y los medios de comunicación de masas. Sin embargo, tras estos mitos del pop existe una genealogía alternativa al surgimiento del movimiento, que resulta más visible si tomamos como referencia al Reino Unido, en lugar de los Estados Unidos, y artistas como Richard Hamilton, en lugar de la los habituales Roy Lichtenstein o Andy Warhol. Desde esta perspectiva, el pop surge no sólo de los vaivenes estéticos que cartografía la historia del arte, sino también de una compleja trama de desarrollos sociales, intelectuales y políticos que deben ser explorados desde otras perspectivas como la historia social, las teorías de género o los estudios culturales.  

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