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martes, 15 de julio de 2014

¿Por qué es tan importante la investigación en las exposiciones?

Por: Santiago B. Olmo
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Antoni Arissa: Perchero y sombrero, 1930-1936. Archivo Arissa Fundacion Telefonica.

La exposición es un complejo dispositivo que sitúa en un modelo de lectura visual, estableciendo conexiones y asociaciones que facilitan un aprendizaje perceptivo pero que también propician un conocimiento intelectual.

La presentación en Madrid de dos exposiciones fotográficas permiten reflexionar sobre el sentido que debe asumir la exposición, así como ilustran la función del museo y de las instituciones culturales respecto al patrimonio.

Se trata de la exposición “Fotos & Libros (España 1900-1977)” en el MNCARS, comisariada por Horacio Fernández y la dedicada al fotógrafo catalán Antoni Arissa en Fundación Telefónica, comisariada por Rafael Levenfeld y Valentín Vallhonrat.

 

Lo que resulta común a ambas exposiciones no es que las dos aborden cuestiones y trabajos fotográficos, sino que están sostenidas por una investigación que aporta conocimiento y revisión histórica, pero también conservación y valorización del patrimonio.

En un momento en el que desde las instancias públicas y políticas se maltrata a la cultura como si fuera mero ocio mientras se le exige permanentemente una espectacularidad que venda popularidad como método de éxito para su autofinanciación, la investigación se convierte en un arma de resistencia frente a la banalidad.

“Fotos & Libros” es el fruto de una investigación emprendida por Horacio Fernández con el objetivo de adquirir para la colección del MNCARS una serie de publicaciones fotográficas que completan la visión y el papel de la fotografía en el siglo XX. El proyecto pone de relieve la importancia del fotolibro como trasmisor y difusor de ideas y conceptos fotográficos a lo largo del siglo XX, en un momento en el que la fotografía tenía como principal objetivo ser publicada y distribuida desde documentos impresos, bien fueran revistas, periódicos o libros. El papel del libro fue crucial también como campo de experimentación gráfica. Por otro lado el recorrido cronológico de la muestra ofrece visualmente como se fue abriendo paso la modernidad desde la fotografía, mientras ésta iba poco a poco convirtiéndose en un campo cada vez más central en las artes. En cierto modo esta exposición es la continuación de otras dos investigaciones en formato expositivo del propio Horacio Fernandez: “Fotografía Pública” para el MNCARS, en 2000, y la muestra “Variaciones en España. Fotografía y arte 1900-1980”, presentada en el MARCO de Vigo, en 2004.

La singularidad de este proyecto respecto a los anteriores estriba en que la investigación ha supuesto no solo el rastreo de documentos sino también su adquisición para la colección del MNCARS. El destino de estas piezas bibliográficas es su inserción en la colección permanente, subrayando por un lado la importancia que han adquirido los documentos como goznes interpretativos en la disposición y lectura de la colección permanente del Museo y por otro la centralidad de la fotografía n la interpretación de la historia artística y cultural del siglo XX.

La exposición dedicada a Antoni Arissa en Fundación Telefónica debe encuadrarse dentro del trabajo curatorial de investigación que sobre la fotografía vienen realizando desde hace años Rafael Levenfeld y Valentín Vallhonrat. Trabajando en equipo, ambos fueron responsables de la catalogación y plan de conservación del archivo Ortiz-Echagüe donado a la Universidad de Navarra y desde ahí construyeron la colección fotográfica de la Universidad que arranca en el siglo XIX y se centra en España, formando actualmente el principal núcleo de la colección del MUN (Museo Universidad de Navarra) de Pamplona que se inaugurará en un edificio de Moneo en enero de 2015. Pero también abordaron desde una investigación con carácter expositivo el archivo fotográfico de Telefónica (“Transformaciones”), y dieron a conocer el trabajo prácticamente olvidado de Marín o de Brangulí.

Con Arissa su investigación ha permitido rescatar una parte muy consistente de su archivo de negativos y reconsiderar desde otras claves conectadas con la vanguardia y la modernidad a un fotógrafo al que habitualmente se le etiquetaba o caracterizaba únicamente como pictorialista. Arissa aparece en la exposición, que incluye tirajes modernos del archivo recuperado, junto a tirajes de época del Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, MNAC y MUN, como un fotógrafo en plena experimentación, en transición entre finales de los años 20 y primeros años 30, entre el pictorialismo y la vanguardia. La rotundidad de las imágenes vanguardistas de Arissa, que también se desarrollan en el ámbito de la intimidad familiar, obliga a una reconsideración no solo de su figura sino también del tipo de impacto que en España tuvieron las vanguardias fotográficas. La irremediable quiebra de modernidad que supone 1939, cuando desaparecen las revistas que se hacen eco de las vanguardias, es el final de la carrera artística de Arissa, como lo fue también (entre otros muchos) la de Marin, con su archivo incautado y represaliado por el régimen franquista.

La investigación desempeña así un papel decisivo en la reivindicación del museo y de las instituciones, pues no hay incompatibilidad alguna entre un trabajo bien hecho y la educación de los públicos, todo lo contrario, sin investigación en los museos no hay educación o formación.

La investigación y la excelencia es lo que se tiende a asociar a un museo, pero no siempre es así. En el Museo Thyssen, la exposición “Mitos del Pop”, refleja con cierta ostentación la banalidad de los discursos. La exposición está construida mediante obras de primera línea, muchas obras relevantes que sin embargo no articulan propiamente un discurso. No hay ni siquiera una propuesta, textos o información documental que oriente al espectador en el laberinto que ha supuesto la historia de un movimiento de movimientos con características solo aparentemente coincidentes, a veces solo en los elementos estilísticos o temáticos más superficiales.

La exposición trata de mostrar los elementos comunes y referenciales que entre los años 50 y los 90 del siglo XX utilizan artistas de muy diversas procedencias, países y contextos culturales. Las secciones de la exposición abordan temas como la utilización de las marcas y el cómic, el retrato, el erotismo, mitos, la pintura de historia… y en ellas se entremezclan artistas americanos, británicos, alemanes, franceses, españoles… al buen tun-tun, sin indicaciones que contextualicen y expliquen las relaciones y las diferencias, sin aludir a los contextos políticos y económicos que iluminarían por otro lado la historia del siglo XX.

El pop como fenómeno internacional solo se comprende de manera rigurosa a través de sus contextos sociales y políticos. No se puede hablar de un solo movimiento, sino de movimientos pop en diversos países, cada uno utiliza y parodia sus condicionantes económicos y sus referencias culturales.

El pop puede ser considerado, como el surrealismo, como un movimiento transversal o una herramienta de análisis artístico y cultural, pero todo ello hay que explicarlo primero con las obras y además, al menos, con un texto de sala que establezca un mínimo análisis para tener en cuenta las diferencias: el tono divulgativo no está reñido con el rigor.

El montaje, abigarrado, lleno hasta los topes, no deja descansos visuales ni espacio para relaciones entre las obras que aparecen como amontonadas en las paredes.
Ahora que ha pasado más de medio siglo desde el inicio de prácticas pop, para explicar cómo se contempla y se valora el pop actualmente desde los medios de comunicación y por el gran público, debería haberse utilizado material documental (desde productos comerciales, publicaciones y anuncios a programas de televisión, diseño, pacotilla en general, gadgets y souvenirs) que mostrara el modo en el que la parodia que utilizaron algunos artistas pop como crítica social, es hoy entendida como un modelo de comportamiento estético al estilo “enfant terrible”.
Lo que en los años 60 era una provocación estética, actualmente reconforta y halaga al espectador desde un reconocimiento de formas y temas divulgados por el diseño y el consumo como forma de vida.

La exposición funciona como un álbum de cromos: para completar la selección debía ser importante incluir el famoso collage de Richard Hamilton titulado “Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?” pero, en su lugar, se exhibe un ejemplar (de una edición de 25) de 1992. Quizás habría sido más interesante acompañarlo de otros collages de los que el autor ha realizado réplicas o ediciones gráficas para subrayar la importancia que tuvieron la seriación, la reproductibilidad y la extensión del mercado en el imaginario y en la vida de los artistas pop.

Teniendo en cuenta el bombardeo de difusión con el que ha sido acogida la exposición en medios de comunicación, sin duda será muy popular, atraerá a públicos muy dispares, pero lamentablemente confundirá más que iluminar, quizás porque se ha pensado más en la popularidad que en la investigación.

Y sin embargo no cabe duda de que algo de investigación se ha hecho, pero no se ha transmitido al público: por ejemplo, hay que lamentar que el ciclo de cine asociado, no se acompañe de presentaciones e introducciones a cada una de las películas o que éste fuera completado por un ciclo de conferencias que aclare las oscuridades de la exposición y su montaje.

El público debe ser tratado de forma inteligente, ofreciéndole adecuadas herramientas de acceso a un conocimiento que la investigación debe hacer accesible.

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