Revista digital de cultura
y arte contemporáneo

ARTÍCULOS

jueves, 14 de septiembre de 2017
Bill Viola: retrospectiva
Museo Guggenheim Bilbao.
Por: Juan Jesús Torres Jurado
imagen

La habitación de Catalina, 2001. 

En el ensayo (con rapsodia) Espuma, Anne Carson recuerda que lo Sublime es una técnica documental (que se funda en documentos, que se refiere a ellos). Carson delimita una dialéctica entre la pomposa descripción de Longino (una magnífica edición de De lo sublime es la de Acantilado, con traducción de Eduardo Gil Bera) y Michelangelo Antonioni. Longino entiende lo Sublime como un desborde, una yuxtaposición semiótica y gramática de manera que el paciente lector pasa a formar parte del juego. De otra manera; el público, individuo grupal que diría Jung, se alza naturalmente, se eleva hacia una orgullosa altura de manera que parece confluir sus expectativas con lo expresado. El primero en hacer uso del desborde es Homero, enfurecido en su canto como el mismísimo Ares. La conexión deviene brutal. Lo Sublime te alcanza, querido lector, como una bofetada. Carson cita a Michelangelo Antonioni: “¡Cuántos golpes recibió Lucia para la escena final! El filme termina con ella golpeada y sollozando, en el umbral de una puerta. Pero ella parecía siempre feliz y le resultaba fingir que se sentía desesperada. No era una actriz. Para obtener los resultados que yo quería tuve que utilizar insultos, maltrato, fuertes bofetadas. Al final ella se derrumbó y se puso a llorar como una niña. Interpretó su papel maravillosamente” (Antonioni; 1996). Se refiere al rodaje de una secuencia de Cronaca di un amore (1950). Lucia es Lucia Bosè. En este caso, el desbordamiento es físico. El impacto, en la representación iconológica, es el mismo. Si lo Sublime es documental es porque el levantamiento se produce en la superación del umbral. Longino lo entiende en Homero. Antonioni cruza la escena real para adentrarse en la ficción. En ambos casos, lo Sublime atañe un apuñalamiento, una profunda convulsión.

Leer más...
Entrada de Juan Jesús Torres Jurado
lunes, 19 de junio de 2017
Del otium al negotium. 57 Bienal de arte de Venecia
(Segunda parte)
Por: Pedro Medina
imagen

Liliana Porter

Narraciones, estilos y escaparates de lujo en un contexto mítico

Los eventos paralelos repartidos por la ciudad, que parecen moverse en una dirección muy distinta a la defendida por Christine Macel, es decir, buscan narrativas y ficciones. No obstante, esto no nos sitúa necesariamente frente a un arte que sea interpretación de su momento, a no ser que pensemos que este tiempo está marcado por la fatuidad y el espectáculo. En cualquier caso, es mucho y variado lo que hallamos.

Si la propuesta principal de esta bienal cae en lo anodino con facilidad, en el casco histórico de Venecia todo se vuelve esplendor, quizás falso, hijo del mito, pero no por ello dejan de detectarse ciertos agotamientos. Por ejemplo, Axel Vervoordt en Palazzo Fortuny, viene dejándonos maravillosas exposiciones en uno de los palacios más bellos de Venecia, creando vínculos y diálogos por encima de los siglos, con momentos gloriosos como hace doce años o la culta y prodigiosa Proportio hace dos años. Sin duda, volverá a fascinar a aquel que vea este experimento por primera vez, pero Intuition termina por revelar más estertores que líneas para futuros desarrollos. El primer piso en medio de los restos del pintor español sigue siendo deslumbrante –cómo no serlo en este escenario– pero no se hila discurso alguno al final, buscando más el efecto que la atmósfera de conjunto. Está claro que no es lo mismo plantear la medida del mundo a partir del cuerpo humano partiendo de la “anatomía” de Andrea Vesalio, como ocurría en Proportio, que iniciar citando a Paulo Coelho. Sin duda, tienen que replantear el proyecto.

Leer más...
Entrada de Pedro Medina
martes, 30 de mayo de 2017
Del "otium" al "negotium". 57ª Bienal de arte de Venecia
(Primera parte)
Por: Pedro Medina
imagen

Pabellón de Alemania

 ¿Sigue habiendo relación entre otium y virtud?

Otium ha sido uno de los conceptos más llamativos de los utilizados por Christine Macel, la comisaria de Viva Arte Viva, la LVII edición de la Bienal de arte de Venecia, y conservadora jefe del Centro Pompidou. Efectivamente, el “ocio” actual deriva de este concepto y, aplicado a la labor de los artistas, se podría prestar a no pocos equívocos, por lo que será mejor empezar definiendo el origen de este término.

La referencia clásica es el De brevitate vitae de Séneca, para quien el otium es la parte más importante de la vida del individuo, siendo la que se dedica a la lectura y la formación para la constitución de la moral y para buscar, por tanto, la virtud. Su opuesto: los negotia, relativos a los asuntos o cargas públicas. El otium se entiende entonces como una actividad para nosotros mismos que nos puede llevar a la creación y no a la pereza o al entertainment –como parecen mostrar las derivas contemporáneas del término–, y el negotium supondría su anulación. Así, estados tan actuales como el ansia, la desconcentración, la desorientación, el temor, son para Séneca algo frecuente en quien no cultiva el otium; de ahí la inclusión en esta bienal de espacios como el Pabellón de las alegrías y los miedos.

Leer más...
Entrada de Pedro Medina
lunes, 15 de mayo de 2017
Una contribución a la cultura sonora
Por: Alfonso López Rojo
imagen

José Iges: “Conferencias sobre Arte Sonoro”
Árdora Ediciones. Colección 250 gramos. Madrid, 2017.

La intensa dedicación al Arte Sonoro de José Iges ha dado como resultado la publicación de “Conferencias sobre Arte Sonoro”, un libro que reúne siete conferencias del autor pronunciadas desde 1998 y que, en conjunto, nos ofrece una amplia visión histórica y estética de este ámbito de la creación que se distingue por hacer del sonido su elemento principal.

La edición del libro coincide con la reciente celebración de la exposición “Escuchar con los ojos. Arte Sonoro en España, 1961-2016”, comisariada por José Iges junto a José Luis Maire, y presentada entre 2016 y 2017 en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y en las sedes de la Fundación Juan March en Palma y Madrid.

Una exposición centrada en mostrar de forma exhaustiva los orígenes y la evolución del fenómeno en nuestro país y de la que, de algún modo, también se puede decir que es la continuidad natural de la que, en 1999, sería la primera exposición dedicada en nuestro entorno al Arte Sonoro desde el ámbito internacional, y a la que, desde su labor de comisario, Iges tituló de forma elocuente: “El espacio del sonido / El tiempo de la mirada”.

Leer más...
Entrada de Alfonso López Rojo
viernes, 31 de marzo de 2017
Javier Peñafiel. Tu extrema higiene
Galería Librería La Casa Amarilla. Zaragoza
Por: Alejandro Ratia
imagen

Javier Peñafiel (Zaragoza, 1964) ha dejado por escrito una pequeña (y renovada) poética con motivo de su nueva exposición. “Es baja nuestra tolerancia a la frustración, generar un trabajo en condiciones diferentes a las de la norma productiva ayuda contra el fatalismo de especie”, nos dice. No se trata tanto de una justificación de la inercia en la labor artística, como la constatación de una necesidad, de algún modo básica, de seguir echando leña al fuego del lenguaje o de la comprensión de las cosas. Años antes, en uno de los carteles de su Violencia sostenible (2004) se leía: “episodios del descontento confunden transitoriamente la satisfacción del estado”. La acción directa, cuyos efectos ya entonces se apreciaban superficiales, no excluye sino que exige la acción continua y paciente del artista. El capitalismo tiene secuestrado lo sublime. “Los efectos de la penetración del capitalismo en el lenguaje no han hecho más que empezar”, escribió Lyotard en vísperas del cambio de siglo. Javier Peñafiel quiere creer “que existen trabajos inaccesibles para el capital”. Pero esto, apostilla, “casi parece una fábula”. Esta es una exposición en la que se reivindica, por decir que se delata, como pintor. Esta relación de Javier Peñafiel con la pintura se puede aproximar a la de Txomin Badiola respecto a la escultura. El término híbrido les sirve bien a ambos. La pintura puede llegar a ausentarse por completo, permaneciendo implícita. “El pintor es productor y el primer público, se separa de sí para serlo”, dirá Peñafiel.

Leer más...
Entrada de Alejandro Ratia
1 de 47 Siguiente

publicidad
El viajero
Huesca sept 2017
Pasos perdidos nov 2014
circa
La Regenta
Simple
Publicidad ARTECONTEXTO
El viajero
Huesca sept 2017
Pasos perdidos nov 2014
circa
La Regenta
Simple
Publicidad ARTECONTEXTO

X

Recibe nuestra información:

Hombre    Mujer     

E-mail: 

He leido y acepto las condiciones de privacidad 

X

Utilizamos cookies propias y de terceros para mejorar nuestros servicios. Si continúa navegando, consideramos que acepta su uso.
Puede cambiar la configuración de 'cookies' en cualquier momento. Más información aquí