Revista digital de cultura
y arte contemporáneo

ARTÍCULOS

lunes, 19 de junio de 2017
Del otium al negotium. 57 Bienal de arte de Venecia
(Segunda parte)
Por: Pedro Medina
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Liliana Porter

Narraciones, estilos y escaparates de lujo en un contexto mítico

Los eventos paralelos repartidos por la ciudad, que parecen moverse en una dirección muy distinta a la defendida por Christine Macel, es decir, buscan narrativas y ficciones. No obstante, esto no nos sitúa necesariamente frente a un arte que sea interpretación de su momento, a no ser que pensemos que este tiempo está marcado por la fatuidad y el espectáculo. En cualquier caso, es mucho y variado lo que hallamos.

Si la propuesta principal de esta bienal cae en lo anodino con facilidad, en el casco histórico de Venecia todo se vuelve esplendor, quizás falso, hijo del mito, pero no por ello dejan de detectarse ciertos agotamientos. Por ejemplo, Axel Vervoordt en Palazzo Fortuny, viene dejándonos maravillosas exposiciones en uno de los palacios más bellos de Venecia, creando vínculos y diálogos por encima de los siglos, con momentos gloriosos como hace doce años o la culta y prodigiosa Proportio hace dos años. Sin duda, volverá a fascinar a aquel que vea este experimento por primera vez, pero Intuition termina por revelar más estertores que líneas para futuros desarrollos. El primer piso en medio de los restos del pintor español sigue siendo deslumbrante –cómo no serlo en este escenario– pero no se hila discurso alguno al final, buscando más el efecto que la atmósfera de conjunto. Está claro que no es lo mismo plantear la medida del mundo a partir del cuerpo humano partiendo de la “anatomía” de Andrea Vesalio, como ocurría en Proportio, que iniciar citando a Paulo Coelho. Sin duda, tienen que replantear el proyecto.

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Entrada de Pedro Medina
martes, 30 de mayo de 2017
Del "otium" al "negotium". 57ª Bienal de arte de Venecia
(Primera parte)
Por: Pedro Medina
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Pabellón de Alemania

 ¿Sigue habiendo relación entre otium y virtud?

Otium ha sido uno de los conceptos más llamativos de los utilizados por Christine Macel, la comisaria de Viva Arte Viva, la LVII edición de la Bienal de arte de Venecia, y conservadora jefe del Centro Pompidou. Efectivamente, el “ocio” actual deriva de este concepto y, aplicado a la labor de los artistas, se podría prestar a no pocos equívocos, por lo que será mejor empezar definiendo el origen de este término.

La referencia clásica es el De brevitate vitae de Séneca, para quien el otium es la parte más importante de la vida del individuo, siendo la que se dedica a la lectura y la formación para la constitución de la moral y para buscar, por tanto, la virtud. Su opuesto: los negotia, relativos a los asuntos o cargas públicas. El otium se entiende entonces como una actividad para nosotros mismos que nos puede llevar a la creación y no a la pereza o al entertainment –como parecen mostrar las derivas contemporáneas del término–, y el negotium supondría su anulación. Así, estados tan actuales como el ansia, la desconcentración, la desorientación, el temor, son para Séneca algo frecuente en quien no cultiva el otium; de ahí la inclusión en esta bienal de espacios como el Pabellón de las alegrías y los miedos.

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Entrada de Pedro Medina
lunes, 15 de mayo de 2017
Una contribución a la cultura sonora
Por: Alfonso López Rojo
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José Iges: “Conferencias sobre Arte Sonoro”
Árdora Ediciones. Colección 250 gramos. Madrid, 2017.

La intensa dedicación al Arte Sonoro de José Iges ha dado como resultado la publicación de “Conferencias sobre Arte Sonoro”, un libro que reúne siete conferencias del autor pronunciadas desde 1998 y que, en conjunto, nos ofrece una amplia visión histórica y estética de este ámbito de la creación que se distingue por hacer del sonido su elemento principal.

La edición del libro coincide con la reciente celebración de la exposición “Escuchar con los ojos. Arte Sonoro en España, 1961-2016”, comisariada por José Iges junto a José Luis Maire, y presentada entre 2016 y 2017 en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y en las sedes de la Fundación Juan March en Palma y Madrid.

Una exposición centrada en mostrar de forma exhaustiva los orígenes y la evolución del fenómeno en nuestro país y de la que, de algún modo, también se puede decir que es la continuidad natural de la que, en 1999, sería la primera exposición dedicada en nuestro entorno al Arte Sonoro desde el ámbito internacional, y a la que, desde su labor de comisario, Iges tituló de forma elocuente: “El espacio del sonido / El tiempo de la mirada”.

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Entrada de Alfonso López Rojo
viernes, 31 de marzo de 2017
Javier Peñafiel. Tu extrema higiene
Galería Librería La Casa Amarilla. Zaragoza
Por: Alejandro Ratia
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Javier Peñafiel (Zaragoza, 1964) ha dejado por escrito una pequeña (y renovada) poética con motivo de su nueva exposición. “Es baja nuestra tolerancia a la frustración, generar un trabajo en condiciones diferentes a las de la norma productiva ayuda contra el fatalismo de especie”, nos dice. No se trata tanto de una justificación de la inercia en la labor artística, como la constatación de una necesidad, de algún modo básica, de seguir echando leña al fuego del lenguaje o de la comprensión de las cosas. Años antes, en uno de los carteles de su Violencia sostenible (2004) se leía: “episodios del descontento confunden transitoriamente la satisfacción del estado”. La acción directa, cuyos efectos ya entonces se apreciaban superficiales, no excluye sino que exige la acción continua y paciente del artista. El capitalismo tiene secuestrado lo sublime. “Los efectos de la penetración del capitalismo en el lenguaje no han hecho más que empezar”, escribió Lyotard en vísperas del cambio de siglo. Javier Peñafiel quiere creer “que existen trabajos inaccesibles para el capital”. Pero esto, apostilla, “casi parece una fábula”. Esta es una exposición en la que se reivindica, por decir que se delata, como pintor. Esta relación de Javier Peñafiel con la pintura se puede aproximar a la de Txomin Badiola respecto a la escultura. El término híbrido les sirve bien a ambos. La pintura puede llegar a ausentarse por completo, permaneciendo implícita. “El pintor es productor y el primer público, se separa de sí para serlo”, dirá Peñafiel.

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Entrada de Alejandro Ratia
lunes, 20 de marzo de 2017
Es todo cierto. Bruce Conner.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid.
Por: Juan Jesús Torres Jurado
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 En su lúcido ensayo Contra el tiempo. Filosofía práctica del instante (Anagrama, 2016), el jovencísimo Luciano Concheiro arenga a una revolución calma y silenciosa que luche contra la aceleración descontrolada de nuestros tiempos hipermodernos. Partimos de la aceptación de que cualquier acto de vanguardia es un movimiento de emancipación de la realidad acuciante. Por eso supone un respiro la simple idea de detención, o al menos, de ralentización ante el desenfrenado ritmo de sobreproducción de nuestro tiempo. Leo en el folleto de exposición que Bruce Conner (McPherson, Kansas, 1933 –San Francisco, 2008), de acuerdo con Agamben, era contemporáneo porque contempla[ba] fijamente su propio tiempo no para percibir su luz sino sus sombras. El apego temporal enlaza con el latente conato del arte más contemporáneo por recuperar ciertas figuras periféricas que fundamentaron su creación en la contradicción y en la polivalencia. Quizás la analogía no sea evidente en cuanto a forma, pero ciertamente sí de fondo. El tiempo de Conner es incierto y apocalíptico y el nuestro inconcuso y post-apocalíptico. En ambos, un común denominador; el miedo en el cuerpo. Cualquiera con intención de profundidad se dará cuenta de que a este ritmo nada ni nadie puede llegar entero a buen puerto. Entonces, la reacción en sí ya es un acto de manumisión y, el arte como comportamiento, se alcanza a través de la resistencia. La misma que muestra Conner en su intento de ensamblar en uno todas las contradicciones que advierte y la misma a la que Concheiro alega: la simultaneidad libertadora del instante.

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Entrada de Juan Jesús Torres Jurado
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